睡蓮

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    睡蓮が咲いている。

    以前の日記『牡丹と薔薇と』の続き。

    購入した版画はグランヴィル《シスター睡蓮》だった。

    グランヴィル《シスター睡蓮》

    タクシル・ドロール『花の幻想』の挿し絵。
    グランヴィルは昨年、練馬区美術館で展覧会があった。行かなかった事が悔やまれる。

    《シスター睡蓮》の清楚で輪とした睡蓮の擬人像に魅せられた。
    足元の蛾に表現された悪魔の貢ぎ物を気にも留めない。侵しがたく不動な姿勢。何か道徳的な寓話だろうか?

    これが何を表すのか知りたく、早速『花の幻想』の翻訳書を読んでみた。

    花の幻想

    花の妖精の庭の花々が人間の世界に憧れ、妖精の反対を押しきり、人間に姿を変えて生活を始めるという花々の冒険物語だ。

    この挿し絵の『シスター睡蓮』のあらすじは、悪魔が修道院の前を通りかかると、一人の美しく物静かな修道女に目が止まる。悪魔は夢魔や情愛、あらゆる手段でこの修道女を誘惑するが、彼女には何一つ効果が無かった――
    その修道女は睡蓮の花だった。彼女は人の世に出てはみたものの、愛することも愛されることもできず、修道院しか行き場が無かったという……

    何とも冷淡な物語である。私が美徳のように感じたものはそうではなかった。
    翻訳書には‘徳がひとつもないことがひとつの徳と見なされた’とあった。

    『花の幻想』は当時のヨーロッパ社会の風刺でもある。これも形骸化した修道会への皮肉かも知れない。

    巻末の、物語の元になっている花言葉(『詩人ジャコブスと花言葉ね物語』より)の一覧によると
    睡蓮(黄)冷却,冷めた愛 (白)雄弁

    時代によって花言葉は変化するが、欧州では黄色い花にネガティブなものが多い。
    これは黄色がキリストを裏切ったユダの衣の色であったと言われるためだ。
    だが黄色は金を連想させ、東洋では位の高い人間が身に付けたりする。

    この版画を買ったのは、もう1つ理由がある。
    以前買ったフランスのアンティークのショップカードが、睡蓮を擬人化したものが描かれていたためだ。これはデパートのショップカードなのだが。
    それとの比較としても購入。
    (この時代のショップカードは、宣伝内容に囚われず、絵画的なものも多い。それについてここでは言及しないでおこう。)

    睡蓮

    ここに描かれた睡蓮は黄色い……この場合は花言葉は関係ないのだろうか。
    最も、前述の花言葉は今はもう変わっていると思う。

    印象派の画家・モネが愛し描き続けた花。
    睡蓮の花は咲くと夜に閉じ、翌朝また開く。この習性から古代エジプトの人々は睡蓮を“復活の象徴"と見なし、上下エジプトの紋様に取り入れられた。
    神秘の花だ。神秘の花だ。それを考えると今の花言葉の方が馴染む。
    不思議と、この2枚の絵とも合うのではないだろうか。

    今、調度見ごろだろう。


    大森 澪展

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      JUGEMテーマ:個展
      大森 澪展

       神保町・クラインブルーにて。
      11/28まで。

      腐食を使った銅板画は、その技法を全面に押し出す事は無く、まるで水墨画のようだった。

      青みのあるインクが、水を連想させもした。

      細密な植物画のようで、こういう表現はやはり、四季折々の自然に思いを馳せる日本人の感性だと思った。

      作家・作品紹介ページ
      大森 澪
      http://www.agmuse.co.jp/item/c10/c8/


      ふとした事から古本を譲り受けました。
      それはかなり古い本で…これはお爺様の蔵書だったそうです。
      江戸時代末期〜明治期の本でした。
      題名は下記。

      『諏吉便覧』
      『大雜書三世相』
      『洛地準則』(これは明治時代出版されたものと明記されていた)

      ざっと内容を見た際に、絵などから八卦や暦、年中行事?について書いてあるようだった。
      近代、こうしたものはないがしろにされたと思っていたので、当時こうして書籍化していたという事実が私にとって。発見だった。

      内容…日本人なのに読めない日本語orz

      ちょっと調べた所、やはり想像したもの通りのもののようでした。
      『諏吉便覧』は日の方位の吉凶を見るためのもの、
      『大雜書三世相』
      『洛地準則』は家相というものについて…風水のようなものだろうか。

      今の日本人はこうしたものを意識しているのだろうか。
      多少の解釈の変動はあるのだろうか。

      そんなことを考えてしまった。


      ダンテ『神曲』のヴィジョン

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        ドレ ダンテ『神曲』フレギュアスが漕ぐ舟に乗り沼を渡るヴェルギリウスとダンテ

         誕生日を迎え、下半期が始まったので、何かけじめを着けたかった。
        またギュスターヴ・ドレの版画を買った。
        昨年も同じ事を書いていたか。
        過去日記:ダンテ『神曲』のヴィジョン

        これは『神曲』地獄篇 第八曲。
        フレギュアスが漕ぐ舟に乗り、沼を渡るヴェルギリウスとダンテの絵。
        構図か実に絵画的だったので、インスピレーションで即決。

        このシーンはドレ以前の画家も描いている。
        記憶にあるドラクロワの油彩画を真っ先に思い出した。
        《地獄のダンテとヴェルギリウス》
        http://art.pro.tok2.com/D/Delacroix/v002.htm

        木口木版でありながら緻密なドレの版画。
        陰影、濃淡の表現に惹かれてしまう。
        虫眼鏡で見ると沼地で蠢く群像の描写に圧倒されてしまった。
        水面下の人物像まで彫られているのだ。
        現在刊行されているドレの画集も度々手に取ったが、この細かい描写に気づかなかった。

        この版画は今の私に訓戒を告げている。
        この沼、ステュクスの沼は怒りに我を忘れ他人に危害を加えた者達が堕ちているという。
        彼らは今不平不満、小言、雑言、罵倒の一切が、汚れた泥となってわだかまっている沼に沈んでいる。
        怒りを持つ事は悪い事ではない。問題は怒りとどう向き合うかが重要なのだと。

        心の構え方なのだろうと私は考える。

        怒りを外に向けて散する、とは違う。
        物に当たるなどもってのほかだ。

        それを模索する縁(よすが)として、今、この版画を見ている。

        実はもう、答えは出ているのかも知れないが。

        そして水面に沈んだ人物に気付けたように、気付けるように。
        怒りとの向き合い方だけでなく、全てにおいて。


        昨年の年末に刊行された本で、ドレの挿絵でまとめられたものがある。
        谷口 江里也 翻訳『ドレの神曲』
        ドレの神曲
        イラストは小さめではあるのだが、ドレの挿絵でどんなものがあるのか、カタログ代わりに今回購入。
        山川丙三郎氏の翻訳で理解できなかった部分を補完する事も出来た…
        この本、かつて金箔付の大判で出版されていた豪華本の「普及版」。
        安い。
        谷口氏の翻訳はさらりと読みやすいと伺ったことも決め手だった。
        これはやはり良い本だと思う。


        ジャン=レオン・ジェローム《ピグマリュオンとガラテア》

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          ジャン=レオン・ジェローム《ピグマリュオンとガラテア》

          『“ピグマリュオン”を描いて』とリクエストされ、描いていた。

          ギリシア神話好きとしては堪らない主題だ。

          これを描くにあたり、久しぶりにギリシア神話を読み直し、歴代の名画を改めて調べた。
          どうしても忘れられない一枚がある。
          ジャン=レオン・ジェローム《ピグマリュオンとガラテア》
          象牙の彫像が今まさに人間になる一瞬を描いたもの。
          抱擁し口付けする官能的な一瞬を描いている。

          それ以前にも多くの画家が同主題を描いているが、象牙から人肌への変化の途中を描いたものはこれが初めてではないだろうか。

          このロマン主義絵画の巨匠に、私は遠く及ばない。

          私はこの物語に、かつて自身の理想を成し遂げる匠のたとえ話と考えていたが、そうではない。

          この主題は芸術至上主義である。

          “真の芸(術)は芸(術)を隠す”

          日本の世阿弥の“秘すれば花”という事か。

          本当の芸術家はその技巧を見せるのではなく、その技巧を思わせない自然な表現で見るものを魅せる。
          写真が発明される前は尚更だと思い、写真で表現しようと思っても、光学的にその精神を写し出すのは至難の技だと思う。

          もうひとつ挙げられる事はピグマリュオンの日本的な解釈として“人形愛”だろうか。
          四谷シモンの人形教室の名にもなっているのだから。
          球体関節人形に限って言えば、その可動性からより人間に近いのではないかと想像する。
          人形が完全な人体造形を有する存在としてあるならば、確かに自然を越えている。
          表現こそ違うが、その精神は似ていると思った。

          そんな事を考えていたが、もう1つ気になるものを思い出した。
          ピグマリオン症候群という言葉があったが、これはどういう意味だったか…
          調べてみると‘それは病気ではなくある種の病的な態度のこと。
          ‘自分の作ったモデル(理論)を現象(事実)そのものより優先すること'とあった。
          自分の作り出したアイデアが、真理だと思い込むこと。
          人に与えられたアイデアが、真理だと思い込むこと。

          前述の人形愛考のこともあって耳が痛い……

          そんな事を書き並べてみると、私には何だか対極な意味合いを見出だせそうな主題となった。
          また挑戦してみたい主題である。


          アンティークプリント展

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            アンティークプリント展?


            度々開催されるこの展示即売。
            二子玉川・眦膕阿砲董3/28まで。

            そこで知ったアンティークのボタニカルアートにすっかり魅せられている。

            版画は100年前の複製・印刷物に過ぎないが、それでも今は味わえない手仕事であるとも思う。
            昨日の『アンティーク絵葉書展』を通して、現在のオンデマンド印刷やグラビア印刷とも異なる事を再認識した。

            時計草コレクションを増やした。今回購入したものは以下。
            William Curtis"The Botanical Magazine"No.28

            William CurtisThe Botanical MagazineNo.28

            ウィリアム・カーティス
            http://www.chiba-muse.or.jp/NATURAL/special/cartishp/cartistop.htm

            前回とはまた異なる雰囲気の時計草。
            http://chimere-aile.jugem.jp/?eid=56
            種類も、画家も違うので当たり前だが。
            その前にもウィリアム・カーティスの時計草を購入したが、それと比べ花は大きめに描かれている。

            時計草。
            私はこの受難の花に情熱を持っているようだ。

            今回のボタニカルアート以外に、会場になった伊東屋で、思わぬ出会いもあった。
            時計草のインポートカード。

            時計草インポートカード

            赤と青の時計草が絡み合うアンティークのジュエリーボックスのようなデザイン。開くと中にも時計草が描かれている。このデザインは日本では生まれないだろう。

            キリスト受難の花となったこの花は形も奇抜で、それ故に人を惹き付ける。

            展示会主催者曰く、時計草のコレクターは多いようだ…実際、行かれなかった前回のアンティークプリント展に出ていたパンクラース・ベッサの時計草は売れてしまったそうだ。


            《モナ・リザ》はどんなに切り刻んでも《モナ・リザ》だった

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              JUGEMテーマ:コラージュ

              モナ・リザ》については多くの著作があるし、あらゆる分野に関わる著名人が言葉を残している。

              コラージュで以前「《モナ・リザ》を使って作る」という課題が出た。
              私はこの課題に最初、驚いた。
              先生は常々「《モナ・リザ》をコラージュに使うのは難しい」とおっしゃっていたからだ。

              先生曰く、「誰がみても『これは《モナ・リザ》だ』と判かってしまう」からだ。

              素材の、解体する前の全体像が容易に見えてしまうのでは、ただその素材へのオマージュになってしまうためだそうだ。
              コラージュが既存のものをバラバラにし、繋ぎ合わせて新しいものを作るという、まるで錬金術のような作業なら、尚更だ。
              先生は勿論、私達にそれを実感させるためにこの課題を出したのだが。

              最近になって読み始めたコミック『GALLARY FAKE』にも《モナ・リザ》に纏わる話があった。
              そこにも《モナ・リザ》の魔力について語られている。

              「ここには、“世界のすべての目的が集まり来った”顔がある」

              ウォルター・ペイター著「ルネサンス」(高階秀爾訳)のモナ・リザ評

              ギャラリーフェイク (2) (ビッグコミックス)

              古今の名画のうち、モナ・リザほど多くのコピーやパロディーを生んだ例はまれでしょう。その事実自体、この作品の不可思議な吸引力を物語るとは、言えますまいか。

              『GALLERY FAKE』2巻「ジョコンダの末裔」より

              私自身がコラージュして先ず思った事は『切り刻めない』だった。あまりに完成されているのだろうか?鋏を入れることが躊躇われた。
              そしてどうにか切り刻んでも、先生がおっしゃった通りだった。とにかくどのパーツを見ても、これは《モナ・リザ》のものであると判ってしまうのだ。
              《モナ・リザ》の手、《モナ・リザ》の唇、《モナ・リザ》の目、《モナ・リザ》の首筋…
              個々のパーツからもその存在を主張するこの絵画。

              せめて意表をついてみよう、と思い、東洋の器とコラージュしてみる。
              先生に見て頂いたところ、

              『こうして見ると《モナ・リザ》は東洋的な顔立ちをしているね』

              人種を超える、《モナ・リザ》の魔力をまた垣間見てしまった。


              ダンテ『神曲』のヴィジョン

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                JUGEMテーマ:美術鑑賞
                JUGEMテーマ:ゲーム

                ダンテ『神曲』を読み直そうと思っている。
                文庫で構わないので、やはり手元に置きたくなった。

                最近、関心があるゲームタイトルがある。
                『DANTE'S INFERNO』
                http://www.dantesinferno.com/
                海外のゲーム。
                タイトルからも言わずもがな、ダンテ『神曲』をモティーフにしたアクションゲーム。

                何気に『神曲』は度々ゲームヴィジョンによく利用されている。
                日本のもので『煉獄 RENGOKU』これは『神曲』の描く世界構造、特に煉獄・地獄をステージとしたアクションゲーム。
                世界観の再現では外れるかも知れないが、『Devil May Cry』も数に入れて良いのかも知れない。名前とか。

                何故、こんな話をするかと言うと、『神曲』が芸術家に、創作する人間に多くのヴィジョンを与え続けている事を改めて思ったからだ。

                文章が美しい。
                地獄篇・煉獄篇・天国篇の三部から成り、全14233行の韻文による長編叙事詩。聖なる数「3」を基調とした極めて均整のとれた構成。三行を一連とする「三行韻詩」あるいは「三韻句法」で書かれ、次々に韻を踏んでいって鎖状に連なるという押韻形式である。

                『神曲』が書かれたルネサンス当時もさる事ながら、それ以降多くの画家が『神曲』の絵を描いた。

                それは、ヴィジョンを与える文章であるという指摘の言葉を、以前何処かで聞いた。

                有名なものでドラクロワ、ウィリアム・ブレイク、そしてギュスターヴ・ドレ。

                今日、ギュスターヴ・ドレの版画を買った。勿論、主題はダンテ『神曲』。
                ギュスターヴ・ドレはミルトン『失楽園』の挿絵も描いており、そちらも気に入っているが、今回は割愛。

                ギュスターヴ・ドレ《ダンテ『神曲』》

                O fond Arache! thee I also saw,
                Half spider now, in anguish, crawling up
                The unfinish'd web thou weaved'st to thy bane.

                Canto 将,lines 39-41

                さて、このおどろおどろしい情景。

                アラクネの姿に戦慄するダンテ、それを諫める詩聖ヴェルギリウス。
                参考:アラクネ
                ギリシア神話のアラクネ。女神との機織り対決で女神に敗れた名手。
                最後は蜘蛛になった。
                その変身譚をこの描写一つで表している。それも合成獣(キメラ)の描写となって。

                ドレはそれをグロテスクで官能的、斬新な描写で表している。

                油彩画でも主題として取り上げられるのは地獄篇が多いのは、その躍動感溢れる情景を描けるためではなかろうか。

                深い悔恨や苦悩に身を捩る人間の姿。
                細かな天使の群像や光の表現をふんだんに使うドレの天国篇も圧巻であるが、個々の人間の動きは煉獄・地獄篇の方が勝ると思う。

                人々の苦悩する姿の魅力――
                それは則ち“リアリティ”である。

                だから画家をを魅了して止まないのではなかろうか。

                ゲームに話を戻せば、アクションゲームで緊迫感があるのは“地獄絵図”の言葉に集約される状態なので、地獄は格好のステージになるのは言うまでも無い。
                ゲームは結局システムが重要かも知れないが、そのステージのヴィジョンをどう創るかがゲームクリエイター達の腕の見せ所。
                それも“リアリティ”を表現する。
                トレーラーを見ただけでもそのクオリティの高さに感嘆する。

                「ゲームは芸術になると思いますよ」

                とは、大学時代お世話になった先生の言葉。
                それを改めて思い返す。
                ゲームが芸術となるには、まだ障害が多くあるのだが…それについては改めて。


                ショーンガウア《聖セバスティアヌスの殉教》

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                  JUGEMテーマ:美術鑑賞

                  好きな絵についての個人的鑑賞考察。

                  ショーンガウア《聖セバスティアヌス》

                  ショーンガウア《聖セバスティアヌス》

                  年初にショーンガウアの展覧会の図録を神保町の古本屋で偶然手にした。

                  ショーンガウアの展覧会があったとは知らなかった事、タイトルにケルトフォントを使用し、中世写本を意識させる凝った装丁も購入動機には充分だった。

                  銅板画特有の繊細さと美しさ、しかし主題にも関わらずグロテスクで何処か闇の雰囲気を漂わせている。

                  ショーンガウア、後期ゴシック期に写本挿絵画家として活躍。
                  ルネサンス期の人文主義を啓蒙するもので無く、かといって宗教讃歌でも無い。
                  時期もあってか、ルネサンスに繋がる写実的な表現を取り入れている。

                  図録ではゴシック期の版画とショーンガウアのものとの比較検討がされていた。
                  銅板画特有の繊細な線での写本装飾は、独特だ。
                  キリスト、聖母、聖人像。モノクロであるがそれを彩る怪獣の姿。

                  その中に《聖セバスティアヌスの殉教》もあった。
                  ギュスターヴ・モローの聖性溢れるものとも、グイド・レーニの官能的なものとも違う。
                  グイド・レーニの《聖セバスティアヌスの殉教》は三島由紀夫の『仮面の告白』でご存知の方も多いはず。
                  Saint Sebastian vol.6

                  これらとは全く異なる、グロテスク表現の《聖セバスティアヌスの殉教》
                  有機的な不気味さだ。
                  木に縛りつけられたセバスティアヌスは木に沿うように身体を捻り、刺さっている矢は枝のようで、まるで木と一体化しているよう。

                  「怪異な、奇妙な、突飛な、滑稽な」という意味をもつグロテスクも、シュレーバーの<基本語>のように、恐ろしさとおかしさという相反する二つの要素から成立する。グロテスクとは本来は古代の装飾文様の一種で、唐草文様のなかに人間や動植物、さらには空想上の生物を誇張・歪曲した形に描いたものをさすが、これが十五世紀末にローマで発掘された地下遺跡(グロッタ)で見つかったところから“グロテスキ”とイタリア語で命名され、のちには装飾術や造形芸術のみならず文学や思想の領域でも用いられるようになった。

                  丸山圭三郎『言葉・狂気・エロス』より引用


                  元々ショーンガウアは金細工師の家系だったようで、これら銅板画も彫金の下絵だったらしい。
                  腰巻き(褌と言うべき?)の緻密な皺の描写は彼の試み、

                  苦痛に身を捩り、何本も矢を生やし歪む身体。
                  死に瀕したその表情は力無く俯いている。
                  聖セバスティアヌスは矢で射られてもその時は絶命しなかったらしいが、この版画にあるものは死相そのものではあるまいか。
                  しかし、その表情が瞑想しているようにも見える。

                  木と一体化していると前述したが、あながち間違っていないと思う。
                  ゴシック美術にキリスト教文化に淘汰されつつある民間信仰、自然崇拝への情景があるという指摘もある。
                  その観点から見るとこれはグリーンマンの系譜に成るだろう。
                  何より『花―死―人』の系譜に思えて惹かれる。

                  木に成る人――
                  ギリシア神話のダフネの月桂樹への変身譚。
                  ベルニーニの美しい彫刻の主題を思い出す。あの画期的な変身の表現がされた彫刻は、一度見たら忘れられない。ショーンガウアの《聖セバスティアヌスの殉教》はそれに通ずるものがあるように思える。

                  聖セバスティアヌスを象徴する樹の話は聞かないが、彼は十字軍の守護聖人や中世に猛威を振るったペストから人々を守る守護聖人とされ、15世紀には射手兄弟団の守護聖人となった。

                  変身、自然との一体化――
                  それらが私にとって魅力的な主題なのだ。
                  新しい可能性と、回帰の暗示のように思えるのだ。


                  アンティークプリント展

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                     先日、ボタニカルアートのアンティークプリント展を見に行ってきました。
                    コレクションを増やそうと思って。
                    勿論、時計草のものを。

                    Buch der Welt

                    これはドイツの植物図鑑のもの。"Buch der Welt"
                    画家は不明。サイン等が残されていない。

                    以前からこの版画は知っていましたが、あまりに強烈な色彩と、太い線に圧倒され、敬遠していました。

                    しかし、これが夢に出てきてしまったのです。

                    それも額装付きで…

                    額装は付けませんでしたが、購入…こういう運命だと思って。

                    ドイツらしいというか…
                    はっきりとした実線、原色。
                    直ぐにデューラーの版画を連想してしまう。

                    版画の良い所は、その手頃さでしょう。量産出来て、低価格。
                    オーナーの方が「複製画はどんなに頑張っても(時間が経っても)複製画でしか無いので、直ぐ手に入る」という主旨の事をおっしゃっていた。
                    複製画…
                    しかし、今の技術とは異なる…ともすれば、失われた技術であったら、それには価値が生まれるのであろうか?
                    最も、版画の“価値”は即ち“希少性”ですが。

                    現在の技術、デジタルアートはどの位残るだろうか?

                    時計草…
                    奇想の美。

                    言わずもがな、日本では西洋の時計が入って来た後に、この花が輸入されたため、この名前。花弁が時計の文字盤、雌しべが時計の長針・短針・秒針に見えるから、和名ではトケイソウ。

                    パッションフラワーの事。
                    私はこの呼び方も好きですね。キリスト受難の花。
                    宣教師がこの花を初めて見た時、巻きひげに鞭を、花に十字架と3本の釘と使徒の姿を、葉に穂先とキリストを売ったユダが手にした30枚の銀貨を見出したという。
                    そのセンスに乾杯。

                    この花が好き。思い入れがあるから。

                    アンティークプリントのコレクション、暫くはこの主題で収集しようと思います。

                    …欲しい版画、多いです。レオノール・フィニや山本六三氏のものも、欲しい。
                    いつか手元に置けたら良いな。


                    PUCCINI - MADAME BUTTERFLY

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                      JUGEMテーマ:美術鑑賞

                      最近知った動画。
                      プッチーニのオペラ『蝶々夫人』のアニメーション。
                      あまりの美しさに、何度も見てしまう。
                      こんな素敵なアートアニメーションがあったとは。

                      このオペラには思い出がある…初めてしっかりみたオペラだったので。
                      同時に、オペラが海外の演劇というイメージがあった頃、“日本”をテーマにしたものがあったという驚き。
                      日本文化もオペラに出来るのか――と感心していた。

                      余談ですが、当時のジャポニズムの影響もあって“日本マニア”となっていたプッチーニが、日本の音楽を取り入れてつくったというこのオペラ。
                      当時はあまり理解されなかったらしい。
                      所々の音楽が西洋的ではなかったこと、蝶々さんが最後、何故あのような行動をとったのか、など。

                      異文化交流は難しい。

                      蝶々さんの歩みは、日本の歴史――外交にも通ずるものがあるような。
                      この国は、どうやって諸外国と渡り歩いて行くつもりなのか。その話は今は止めよう。

                      蝶には思い入れが色々とあります。
                      春…もうすぐ蝶が舞う季節…はまだ早いですね。

                      以下、Web拍手レス

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